19、“要分手练”
这是许多人不太愿意做的事。殊不知，钢琴这件乐器从来不仅仅意味着单纯的一件乐器。钢琴还意味着交响乐队、室内乐队、重奏组合、大合唱、歌剧、管风琴。钢琴意味着一切音响可能的综合。因此，由人的两只手演奏的钢琴在任何情况下都不只在做一件事或两件事。钢琴是一件极其复杂的乐器，钢琴音乐包含着在任何音域中，以任何节奏组合复合起来的任何可能的音响。这一方面显示了钢琴音乐无限的丰富表现力，另一方面又带来极其困难的组合问题。正因为如此，左、右手必须分开练习，因为每只手需要各司其职、各尽其能。每只手需要各自独立的层次、音响、功能、节奏。每只手愈独立，音乐的组织就愈清晰。分手练同样是使“练琴”更加有效的必须手段。
20、“要分层次练”
鉴于钢琴音乐的复杂性，光分手练还不够，必须更精细地分层次练。钢琴音乐必然是多层次的。贝多芬《悲怆》第二乐章开端是经典的“旋律-低音-背景”三层次，随着“背景”成为两层次而增加为四层次。肖邦《E大调练习曲》有五个功能独立的层次，与巴赫《C大调前奏曲》相同；而《C小调前奏曲》却有六层次（形成三对），肖邦《降E大调夜曲》实际上是七层次：右手一层旋律，左手一层低音，四层背景；这一趋向至《降A大调练习曲》时增加至九个层面之多。拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》更将平面的声部层次添加到十余个之多。以此标准衡量，钢琴音乐无一不是由多个独立层面所构成，并且在这些独立层面中暗藏着许多有内容、有意义、有趣味的进行、线条、和声、音程、节奏等。发掘这些隐藏的线条对于组织音乐的立体性、整体性、新鲜感都有极大帮助。“分层次练”，区分各层次的不同功能、性质、音质、色调，是达到“立体化”演奏的必由之途。
21、“要一句一句练”
许多学生喜欢老是从头至尾一遍一遍弹，不知分句练的重要性。音乐如同说话、朗诵，要一句一句说清楚。每个句子有开端，有过程，有需强调的关键词，有收尾，有语态，有语气。弹好第一个句子才能继续弹好第二个句子。因此，要“音不惊人死不休”，“句不惊人死不休”。只有一句一句地把音乐体现出来，实现全曲的结构布局才有了基础。
22、“要看谱练”
对于背谱，有两种不正确的方法。第一，是在没有弹熟前从不背谱，而背谱只是手指习惯动作的条件反射的结果。这种“用手背谱”的顺手溜的背谱法极不牢靠。因为音乐没有通过大脑的分析、构建、记忆，没有理性的指导。第二，是一旦“背”出谱后就再不看谱，结果谱子在大脑的记忆中越来越模糊，最终不断出现偏差。因此，真正正确的背谱记忆方式应不同于上述两项。最好在一接触新作品时就一句一句地分句背出来，用大脑记忆而不是靠手的动作惯性。应当尽快把乐谱牢牢地刻印在脑海中。一旦背出后，就再不要背谱弹，而不断看着乐谱练习，观察乐谱，分析乐谱，研究乐谱，不断从乐谱中“看”出自己还不理解或被忽略的成分，加深对音乐的认识。
23、“要不用踏板练”
踏板是载舟之水，可以载舟，也可以覆舟。运用踏板固然可以增加泛音、突出和声、加强音响，但也同时有“自欺欺人”的危险，在踏板对音响的持续中，掩盖演奏中存在的许多细节问题。因此，在练习阶段，最好绝大多数时间不用踏板练习，倾听“赤裸裸”的实际音响，不断修正、调整、改善自己的演奏。另一方面，踏板是项复杂的专门技巧，要单独练习踏板，但脚踩的运动状态既清楚又灵敏，使脚也能像手指一样地灵敏准确。
24、“要使每个声音让自己听得见，也让别人听得见。”
弹琴的人要真正听到自己所弹出的音，非常不容易。可以说，许多人完全听不到自己所弹的真实的声音。他们所“听到”的是声音的幻觉，是虚假的。要听到真实的声音，一定得用心倾听。要使钢琴响起的声音让别人听见，更不容易。要让多少人听见？两个人？二十人？二百人？两千人？八千人？真不容易啊，要让每个声音如同激光一般放射出去。“觉一声之灵趣，当会通万音之璀璨”。专注全身心的能量，奏出一个非凡的声音，是一种态度、一种精神、一种人生、一种气质、一种生命的外化，一种魂魄的震撼，一种神灵的放光。“璀璨”就是要有光。“神说要有光，就有了光”。你坐在钢琴边，你就是神。钢琴的每个声音一定要有光。没有光的钢琴是件死器。要让钢琴每个声音放出璀璨的光辉！
25、“大脑要始终领先在手的前面”
有许多人手跑得奇快，但脑子没有手快，大脑发出的指令往往落在手的后面，这是极其危险的。大脑必须对每个动作预先发出指令。要知道，大脑有150亿个细胞，通常人类只运用了其中十分之一，大约15亿个细胞被运作而已，十分之九尚未开发。每弹一个乐句，需要大脑在一秒钟之内发出至少20—30个指令，才能控制在一秒钟内发生的所有事情。这完全是能够做到的，是绰绰有余的。所谓“大脑领先在手前面”，就是每一个肢体动作必须有充分的准备，有充分的控制，有充分的目的，有充分的欲望。大脑也要充分训练，脑细胞应高速运转，控制动作，控制声音，控制和声，控制声部，控制踏板，控制结构，控制调性，控制音乐过程的“地图”，总之，用大脑事先对每个细节发出指令，使脑子永远跑在手的前面，而不是让手跑到脑子的前面。
26、“要弹得大气”
要把音乐弹得大气，首先最要紧的是改善弹琴的姿态。不少人也很努力地注意控制，努力地注意细节，但由于他们的弹奏基本状态如若趴在地上寻找蚂蚁，数小虫，重心低垂，力量后缩，颈脊紧张，指尖卷曲，全身的力量均被每个关节所阻隔，无法直接贯通到键盘。要弹出大气的音乐，得有大气的演奏状态。所谓“大气的演奏状态”，可以概括为两句话：“昂首仰望上帝，张臂拥抱宇宙”。这是一种昂首挺腰，居高临下，胸怀开阔，力量贯通，总揽全局，心系六宇，高瞻远瞩，大气磅礡的弹法。要从“大气”的弹法中寻找贵族气质，培育贵族气质，养成贵族气质。钢琴这件乐器从它横空出世以来就充满着贵族气息。
27、“要很轻地练”
在钢琴上发出又轻弱又集中又穿透的声音是最困难的，也是最能体现指尖真功夫的。这里有几层重要的意思：第一，只有在很轻的声音里，才能听到更多的层次，更多的变化，更多的不同声音。如果都是很大的声音，往往形成块状音响，一片糊，结果听不见任何声音。第二，由很轻的声音中获得很集中很尖利的音响，可以大大提高声音变化的等级和幅度，为不同声音的变化与对比提供了广阔的空间。第三，用很轻但穿透的声音进行练习，积以时日，可以极大提高指尖感觉的敏锐性、弹性和准确性。弹轻要比弹响难得多。因此，学会用轻而集中的声音练琴，对于提高演奏水准意义很大。要避免总是又响又快地练琴。
28、“该按住的声音要保持，该起来的声音要离开。”
这是同一个问题的两个方面。问题的中心点是线条的连贯与时值的保持。要保持两个音之间的切实连贯，必须做到准确的时值保持。所谓时值的准确，涉及发声点、持续度与离键点三个方面。发声点即触键点要清晰，但这不等于完成了这个音的发声。只有将这个音在应有的时值长度内继续生长(发出更多泛音及更持续的振动)，并在“应当”结束这个音时“准时”离键，这才真正完成了这个音的发声全过程。任何两个音的连接不能“断”(即前音未能持续到与后音相衔接，二者之间出现空隙，不能“粘”(即后音已发出声音，前音仍未离开，二者出现重叠粘连)，而只能是“衔接”(即两个音完全无缝衔接)。正因为如此，清楚的触键点，清楚的持续时值，清楚的离键点，这三个点对于任何一个声音的发出都是至关重要的。一个线条的连贯依赖于每两个音之间衔接交替的完善状态。一首多声部乐曲中有许多线条，许多层次。做到每个线条、每个层次的连贯，才不会在演奏中到处出现断裂的“空洞”。
29、“倾心弹好一个单音线条”
钢琴是件多声部、多层次的和声乐器。许多学习钢琴的同学不喜欢用单音弹奏线条，而习惯于一下子把所有声音混在一起弹。结果反而不能把任何一个线条弹完善。其他乐器，如提琴，也有双音、和弦，但主体是单线条的。长笛、黑管、圆号、长号等木管、铜管乐器大都只演奏单音线条。它们只有相互结合在一起才能产生和声。而钢琴几乎任何时候都必须同时做许多人一起做的事情。正因为钢琴的操作技能太复杂，因而它往往会掩盖最本质的、最自然的音乐本能的乐感。所以，训练用单音弹一个完整、美丽、动人的线条，勾勒出这个线条本身所具有的“形状”，是十分重要的。什么叫“没有形状”?平铺直叙，白水一杯，每音相同，没有起伏曲折，没有高低委婉，没有抑扬顿挫，就是“没形状”。实际上，线条、乐句和形状是“乐感”最直接、最率真的表露。必须先倾心、用心、精心、全心地弹好一个线条，再弹好二个线条，再弹好一个线条，然后要再把这许多线条并拢在一起，音乐整体的“形状”才会逐渐显露出来。
30、“不要一见音多就心慌意乱，就快起来。”
这是人类所共有的心理自然反应，即遇到难处会慌乱。事实上，许多事情要往反里想。如遇到音多的就要交代清楚，放宽心怀，放宽速度；遇到困难之处就不要急，一点一点分拆把最小单位一点一点弹清楚，就很容易了。另有更多的例子，如：要往下用力先要往上作准备；慢的速度不要太拖；快的速度不要太赶；看到“cresc．”不能响应从轻开始；看到“dim．”不能轻，应从较响开始，等等，都应从相反方面来思考，来控制，才能走上正道。所以，看见“音多”或“困难”之处非但不要慌乱，不要往前赶，反而应当稳住速度，然后一个一个细节控制好，一个一个环节咬住，就能化“难”为“易”。
31、“用心弹”
这可真不是一句“废话”。“心者，思之官也”。固然，人类的思维活动由大脑进行，但心却是热血奔腾的根源。心是一片无比博大的腴田。上帝在每个人的心田中播下了音乐的种子，这种子依靠每个人精心的浇灌、培育、锄草、施肥，才能成长壮大，有所收获。要弹好钢琴，并不仅仅在于“手动、身动”，而第一位重要的是“心动”。心不动，音乐死。心动，音乐也才能“生”、才能“动”。音乐是由心及心的艺术。音乐的传递不经过任何中间载体的耗损。钢琴不是“载体”。钢琴是弹琴人的“倒影”，是人的延伸。当你坐在琴前，你就是琴，琴就是你。音乐由你心中发出，由身体透过指尖传递到琴键，又通过钢琴的琴键击动琴弦，而琴弦的振动即是你的心动之共振。
因此，不是手动，不是琴动，是心动。弹琴是人只有以己之心动促使琴动，将听众的心灵撼动。音乐自心而出，由心及心，因心而动，心音撼心。只有用整个心灵投入整个演奏，用心弹每个音，用心弹每一句，用心弹每首曲，用心弹出音符背后所蕴藏的一切内涵，才能触及音乐的脉搏，揭示音乐的意义，创造音乐的境界，卷起音乐的狂飙。“用心弹”概括了演奏者对音乐的根本态度，这就是以热血奔涌，与冷漠的“没心没肺”与机械的“行尸走肉”划清界限。
